CHAPTER 6: SHOOT LESS TO TELL MORE. Parte 6: Filmar menos para narrar mas.

(En español, al final)

At this point in the series "How to Shoot Super-8 from Scratch", many readers will be eager to load their first cartridge and start filming everything that appears in front of the camera. This is a perfectly natural reaction. After all, we have already spent several chapters discussing cameras, film stocks and exposure. Before pressing the trigger, however, it is worth pausing for a moment to understand one of Super-8's greatest virtues, a virtue that, paradoxically, arises from its very limitations.

Beaulieu 9008

Because Super-8, like any photochemical process, forces us to think before we shoot. Those of us who have worked with this format since childhood know that every frame has a cost. Film costs money; the happy days when processing was included in the purchase price are long gone; and high-quality scanning is certainly not inexpensive. Furthermore, every second of film exposed is a second that can never be reused, with each cartridge limited to 3,600 frames, a precious three minutes and twenty seconds at 18 frames per second, impossible to extend.

Walt Disney shooting in Super-8

What may appear to be a disadvantage compared with today's digital video, where it is possible to record for hours without much concern, is in reality an extraordinary school of cinematic storytelling.

The fundamental difference between shooting film and recording video lies not in the technology being used, but in the way we look at the world. The digital videographer often sees an interesting action and decides to record it from beginning to end in a single long take. A person leaves a building, crosses the street, reaches a car, opens the door, gets in and starts the engine. The camera remains motionless, recording everything for twenty or thirty seconds. The result is usually rather dull to watch, because the viewer understands the situation long before the action has finished. From that moment on, the image ceases to provide new information and begins to lose its strength.

Film cinema, by its very finite nature, has spent more than a century solving this problem through an extraordinarily simple tool: dividing an action into shots. Let us imagine exactly the same scene.

Instead of a single long take, we might shoot a brief establishing shot of the street, a medium shot of the person walking, a close-up of their face, a detail shot of the hand taking out the keys, a detail of the lock or door handle, a short shot of the person entering the vehicle and, finally, a shot of the car driving away.

One year old Daniel shooting with a Fujica Z850S!

The action itself is exactly the same, but it is now narrated in just a few seconds through the language of cinema. Each shot provides different information. Each framing directs the viewer's attention towards something specific. And every cut removes what is superfluous in order to preserve only what is essential.

Most interestingly, by adding together all those shots, we will probably have used less film than with the original single take. This is one of the great secrets of photochemical filmmaking: the more one learns to think in shots and to synthesize, the less film one uses and the better the result usually becomes for the audience.

Shooting S8 in Antarctica

For that reason, it is important to adopt a fundamental principle from the very beginning: think before shooting. Before filming a scene, ask yourself what is truly important about it. Do not think in terms of actions. Think in terms of images. For example, if we are filming a friend entering a café, we should ask ourselves what images the viewer actually needs in order to understand what is happening. We might begin with a brief exterior shot of the establishment, continue with a very short close-up of the sign, follow with a shot of her approaching, show a hand pushing the door open and finish with a smile as she sits down in front of a steaming cup of coffee.

The viewer's brain will automatically complete everything that is not shown. Indeed, one of cinema's greatest lessons is understanding that it is not necessary to show everything. Very often, as we learn from the great masters, what is omitted can be even more powerful than what is seen.

Another common beginner's mistake is starting to film too early and stopping too late. In digital video this matters little, but when shooting Super-8 it means wasting precious footage at both the beginning and the end of every shot.

During spontaneous filming it is often better to wait a moment before starting the camera and to stop filming as soon as the necessary information has been captured. With experience, the novice Super-8 filmmaker soon discovers that the best shots are often much shorter than initially imagined.

But beware: this does not mean that every shot should be brief. Some moments require time. A snowy landscape. The movement of the waves. Mist arriving at a mountain. Or perhaps a time-lapse sequence showing that mist slowly enveloping the scenery.

Yet even these slower shots tend to work best when they have been chosen consciously. This is precisely what Super-8 teaches: filming with intention.

Every time the trigger is pressed there should be a reason. An idea. An emotion. A piece of information. Because, from the viewer's perspective, a film is not built by accumulating minutes of footage but by selecting images.

The sooner a filmmaker learns to choose only those images that are truly necessary, the sooner one discovers one of the fundamental secrets of cinematic language. Shooting more does not mean making better films. It simply means using more film. The best films are not those that show everything, but those that show only what deserves to be remembered.

PART 1 & INDEX

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Spanish versión / Versión en español:

CAPÍTULO 6

FILMAR MENOS... PARA NARRAR MÁS

Llegados a este punto del curso "Cómo filmar en Súper-8 desde cero", muchos lectores estarán deseando cargar su primer cartucho y comenzar a filmar todo cuanto se ponga delante de la cámara. Es una reacción perfectamente natural. Después de todo, llevamos varias entregas hablando de cámaras, película y exposición. Sin embargo, antes de apretar el disparador conviene detenerse un instante para comprender una de las mayores virtudes del Súper-8, una virtud que, paradójicamente, nace de sus propias limitaciones.

Porque el Súper-8, al igual que cualquier proceso fotoquímico, obliga a pensar antes de rodar. Quienes hemos trabajado con este formato desde niños sabemos que cada fotograma tiene un coste. La película cuesta dinero; los felices tiempos en los que el revelado estaba incluido en el precio no volverán; y el escaneado en buenas calidades tampoco es precisamente barato. Además, cada segundo consumido es un segundo imposible de reutilizar, siendo la cantidad de película de cada cartucho limitada a 3.600 fotogramas, unos valiosos tres minutos y veinte segundos a 18 fotogramas por segundo, imposibles de alargar.

Esto, que podría parecer una desventaja frente al vídeo digital actual, donde es posible grabar durante horas sin apenas preocupación, constituye en realidad una extraordinaria escuela de narrativa cinematográfica.

La diferencia fundamental entre filmar y grabar no está en la tecnología utilizada, sino en la forma de mirar. Quien graba en digital suele ver una acción interesante y decide registrarla de principio a fin en un único plano largo. Una persona sale de un edificio, cruza la calle, llega a un coche, abre la puerta, entra y arranca el motor. La cámara permanece inmóvil registrándolo todo durante treinta segundos, o mas, con un resultado generalmente aburrido de contemplar, pues el espectador comprende la situación mucho antes de que termine la acción. A partir de ese momento, la imagen deja de aportar información nueva y comienza a perder fuerza.

El cine en película, necesariamente finito, lleva más de un siglo resolviendo este problema mediante una herramienta extraordinariamente sencilla: dividir la acción en planos.

Imaginemos exactamente la misma escena. En lugar de un único plano largo, podemos filmar un breve plano general de la calle, un plano medio de la persona caminando, un primer plano de su rostro, un detalle de la mano sacando las llaves, un detalle de la cerradura o de la manilla, un plano corto entrando en el vehículo y, finalmente, un plano del coche alejándose.

La acción es exactamente la misma, pero narrada en apenas unos segundos gracias al lenguaje cinematográfico. Cada plano aporta una información distinta. Cada encuadre obliga al espectador a fijarse en algo concreto. Y cada corte elimina lo superfluo para conservar únicamente lo esencial.

Lo más interesante es que, sumando todos esos planos, probablemente habremos necesitado menos película que con el plano único original. Esta es una de las grandes claves de lo fílmico: cuanto más aprende uno a sintetizar pensando en planos, menos película gasta y mejor suele ser el resultado para el espectador.

Por ello conviene adoptar desde el principio una máxima fundamental: pensar antes de filmar. Antes de comenzar una escena, pregúntese qué es realmente importante de ella. No piense en acciones. Piense en imágenes.

Por ejemplo, si vamos a filmar a una amiga entrando en una cafetería, debemos preguntarnos qué imágenes necesita ver el espectador para comprender lo que está ocurriendo. Podríamos empezar con un breve plano general del exterior del establecimiento, continuar con un cortísimo primer plano del rótulo, seguir con un plano de ella acercándose, mostrar una mano empujando la puerta y terminar con una sonrisa al sentarse frente a una taza humeante.

El cerebro del espectador completará automáticamente todo lo que no se muestra. De hecho, una de las grandes lecciones del cine consiste precisamente en comprender que no es necesario enseñarlo todo. En muchas ocasiones, como aprendemos observando a los grandes maestros, aquello que se omite resulta incluso más poderoso que aquello que se ve.

Otro error frecuente del principiante consiste en comenzar a filmar demasiado pronto y detener la cámara demasiado tarde. En digital no importa demasiado, pero usando Súper-8 la consecuencia es que desperdiciamos metraje al principio y al final de cada plano.

En filmaciones improvisadas suele ser mejor esperar un instante antes de comenzar a rodar y detener la cámara tan pronto como se haya obtenido la información necesaria. Con la experiencia, el superochista neófito descubrirá que los mejores planos suelen durar mucho menos de lo que inicialmente imaginaba.

Pero atención: esto no significa que todos los planos deban ser breves. Algunos momentos requieren tiempo: un paisaje nevado en la Antártida, el movimiento de las olas, la llegada de la niebla a una montaña (o incluso un timelapse mostrando cómo esa niebla envuelve lentamente el paisaje).

Pero incluso esos planos más pausados suelen funcionar mejor cuando han sido elegidos conscientemente. El Súper-8 enseña precisamente esto: a filmar con intención. Cada vez que se aprieta el disparador debe existir una razón, una idea, una emoción. una información.

Porque, de cara al espectador, una película no se construye acumulando minutos de metraje, sino seleccionando imágenes. Cuanto antes aprenda el cineísta a escoger únicamente las necesarias, antes descubrirá uno de los secretos fundamentales del lenguaje cinematográfico.

Filmar más no significa hacer mejor cine. Significa, simplemente, gastar más película. Las mejores películas no son las que muestran todo, sino las que muestran únicamente aquello que merece ser recordado.