SELLERS EN EL SELLIER: MEJORA NAVIDEÑA EN LA PROGRAMACIÓN

Con motivo del Centenario de Peter Sellers, la IX edición del Sellier Film Festival, este 2025,  ha decidido ajustar y mejorar la programación de la sesión del lunes 8 de diciembre, adaptándola al contexto navideño y a la filosofía del festival de ofrecer siempre proyecciones en fílmico, con coherencia y alma.

La velada se abrirá con el mediometraje navideño de la Aardman Studios, "Robbie el reno en la gran carrera de renos", joya en stop motion que será proyectada con película de 16 mm en riguroso estreno cinematográfico en nuestra patria. Esta película, un clásico navideño en la televisión inglesa, cuenta con el Premio Especial del Jurado en Annecy, el Óscar del cine de animación.  

A continuación, y como plato fuerte de la tarde, se proyectará El diabólico plan del Dr. Fu Manchu (The Fiendish Plot of Dr. Fu Manchu, 1980), la última película protagonizada por Peter Sellers. Pese a las controversias críticas, este título tiene un valor incalculable por lo que representa: la despedida de uno de los más grandes actores cómicos del siglo XX. Para algunos, incluso, el final del film puede leerse como un homenaje póstumo al propio Sellers, que aporta una capa de emoción especial a la proyección.

De este modo, la sesión de diciembre dedicada a Sellers combina el espíritu navideño con la dimensión histórica y sentimental de un adiós cinematográfico.

Y para quienes esperaban disfrutar de The Smallest Show on Earth (1957), no habrá que preocuparse: este título, inédito en salas españolas, se proyectará igualmente en formato fílmico el viernes 12 de diciembre, a las 20.30 horas , en el Espacio Museístico Sellier de La Coruña, también con entrada gratuita. Una cita extra para comenzar el nuevo año celebrando a Sellers en su vertiente más entrañable, en una obra que, mucho antes que Cinema Paradiso, ya era un cántico de amor al cine y a las salas de barrio.

THE CORRECT USE OF KODAK VISION SUPER-8 FILM

Not all motion picture stocks age — or behave — in the same way. Take, for example, Ektachrome 7294 reversal film. From the moment it leaves the factory, it can easily withstand room temperature storage (20ºCelsius) for about two years without any noticeable loss of quality. It doesn’t require refrigeration between shooting and development, as it holds the latent image remarkably well. That stability is one of the reasons reversal film has always been so popular with prosumers and independent filmmakers: it tolerates a more casual workflow.

Kodak Vision films, however, are a different story. These negative stocks are based on a different chemical technology than still-photography negatives, and as such they require a stricter set of precautions:

1. They should ideally be used within six months of manufacture.

2. They must be refrigerated both before use and after exposure, if there is any delay before processing. 

   

   Kodak Vision 50 AHU ready to shoot with the Beaulieu 9008

   
   

Why? Because Vision films are not built with the same chemistry that still-photography negatives enjoy. Their electron traps are shallower, which means that over time — and especially at higher temperatures — photons (electrons) can migrate from one silver grain to another. The result: that grain may not develop to its full potential.

With longer delays, other issues may arise: chemical migration between emulsion layers, leading to a loss of contrast. Vision3 stocks are much improved over earlier ECN series, but they still cannot be considered “time-proof.”

By contrast, Ektachrome is engineered for a longer Latent Image Keeping (LIK) time, precisely because it was targeted to prosumers who might not rush their rolls to the lab. 

And yet — here’s where practice diverges from theory. In my own work, during the filming of "Perfect Antarctic Madness", my Kodak Vision films endured a far from ideal situation: a month and a half of shooting in Antarctica, with two months at room temperature in a cabin before I could develop it. And the results? Flawless.

So, while the rules for Vision stock should be respected, real-world experience shows that the films are tougher than they sometimes get credit for. Respect their limits, but don’t panic if the icebreaker ship return home takes a little longer than expected.

• Thanks for the advise of Kodak´s technician Fred Knauf 

  

  Fresh Vision 50 AHU

  
  

TARANTINO IN AN ABANDONED FILM WAREHOUSE

 A few days ago, I had to step into a place that felt ripped from a cinephile’s darkest dream: an old 35 mm film depot, shut down in 2014 and left catatonic ever since. For decades, this was the final resting place for countless theatrical prints from independent distributors—works never reclaimed for recycling, but left to slumber here, like a morgue of celluloid’s living dead.

The building had little façade, but an endless depth that seemed to dissolve into shadow. Light filtered faintly through, slicing across dust that had settled over more than ten years of neglect. Narrow aisles, mountains of rusting metal cans, and the acrid stench of vinegar—the telltale breath of triacetate’s fatal disease. Walking there was like wandering through a mausoleum, where every can held not just a film, but the memory of those who had projected it, applauded it, dreamed it. Some reels seemed cursed relics: corroded tins, labels blurred, films condemned to disintegrate slowly and silently.

Yet amid the decay, I found miracles: polyester prints perfectly preserved, protected in plastic cases that had endured like hermetic capsules. Survivors, now destined to leave Galicia for faraway archives. A heritage slipping from our hands… but such is the fate of a culture when those in power see no further than tomorrow’s convenience.

I had accepted this appraisal (on behalf of the buyer of the lot) without payment, with only one condition: the right to choose a single film to keep. And there, among dust, silence, and rust, I found my treasure: a flawless 35 mm polyester LPP print of Death Proof by Quentin Tarantino. The title, the atmosphere, the place—they all aligned with eerie perfection. In that shadowed warehouse, among corroded cans and celluloid ghosts, Tarantino’s film gleamed like an ironic jewel, alive and waiting to be reborn in the beam of a true projector.

TEX AVERY… ¡NUESTRO ÁNGEL DE LA GUARDA!

El pasado fin de semana, Álex et moi trabajábamos absortos en el laboratorio fílmico, en medio de ese silencio lleno de zumbidos eléctricos y olor a químicos, cuando un ruido seco nos heló la sangre: algo había caído en la sala contigua, la de archivo y proyección.

Al entrar, la escena parecía sacada de un cartoon de Tex Avery… pero en clave de pesadilla. El protagonista era un dibujo original a lápiz, enmarcado, de Screwy Truant (1945), con su certificado de autenticidad al dorso. Obsequio de mi querido amigo, el abogado, singleochista y animador E. Pflügger. El cuadro yacía en el suelo, como si una mano invisible lo hubiese arrancado de la pared.

Al acercarnos, comprendimos el “aviso sobrenatural”: justo en la alcayata que lo sostenía, un fino hilo de agua descendía desde el aire acondicionado. Esa misma agua había empapado ya la balda superior, donde reposaban varias bobinas de 16 mm.

Con horror, descubrí que la mas dañada era una joya irreemplazable: uno de los dos únicos positivos en 16 mm que existen en España del histórico concierto "The Beatles at Shea Stadium".

No hubo tiempo para lamentos. Entre los dos fuimos retirando las bobinas de la estantería, goteando, brillando bajo la luz mortecina. El aire se llenó del olor ácido y metálico de la humedad. Instalamos el deshumidificador industrial, rebobinamos con manos temblorosas, secamos con paciencia.

Fueron días de incertidumbre, de entrar en la sala como quien visita a un enfermo grave. Pero al final, como en todo buen cartoon, hubo un desenlace feliz: tras varios rebobinados y un cuidado secado, las películas sobrevivieron sin daños. También la de los Beatles, que ahora espera solo un proceso de lubricación para volver a brillar en el proyector.

A veces, uno se pregunta si los objetos guardan un alma secreta. Quizás Tex Avery, desde aquel dibujo, nos guiñó el ojo y decidió echarnos una mano desde el otro lado.

Lo cierto es que, gracias a él, el desastre se convirtió en anécdota, y estas películas del archivo siguen vivas.

TARANTINO EN UN ALMACÉN DE PELÍCULAS ABANDONADO

Hace unos días tuve que adentrarme en un lugar que parecía sacado de un sueño oscuro de cinéfilo: un viejo almacén de películas de 35 mm, clausurado en 2014 y catatónico desde entonces. Allí donde, durante décadas, acababan muchos de los positivos de exhibición que, siendo de distribuidores independientes,  no se los llevaron para su reciclado: una especie de morgue para muertos vivientes de celuloide.

El local apenas tenía fachada, pero sí un fondo interminable que se perdía en la penumbra. La luz entraba débil, rasgando el polvo acumulado tras más de dos lustros de olvido. Pasillos estrechos, montañas de latas metálicas oxidadas, olor agrio a vinagre que delataba la enfermedad mortal del triacetato. Era como caminar por un mausoleo donde cada lata encerraba no sólo una película, sino la memoria de quienes la proyectaron, la aplaudieron, la soñaron.

Fondo del almacén

Algunas bobinas parecían reliquias malditas: metales corroídos, etiquetas borrosas, películas condenadas a desintegrarse lentamente en silencio. Pero en medio de la desolación, también descubrí milagros: positivos de poliéster perfectamente conservados, guardados en cajas plásticas que habían resistido el tiempo como cápsulas herméticas. Estos sobrevivientes, ahora, aguardan su viaje fuera de Galicia. Un patrimonio que se escapa de nuestras manos… pero así son las cosas cuando quienes gobiernan no saben ver más allá de la inmediatez.

Yo había aceptado esta peritación (para el comprador del lote) sin cobrar nada, sólo con una condición: elegir una película para quedármela. Y allí, entre polvo, silencio y óxido, encontré mi tesoro: un positivo impecable en 35 mm de Death Proof, de Quentin Tarantino, en poliéster LPP.

El título, la atmósfera y el lugar parecían encajar a la perfección. En aquel almacén sombrío, perdido entre latas corroídas y fantasmas de celuloide, la obra de Tarantino emergía como una joya irónica, brillante y viva, esperando aún ser proyectada en la luz de un proyector verdadero.

EL REY JUAN CARLOS I Y KODAK

En los años setenta, mientras el jefe del estado general Franco se mantenía fiel a su Bauer de Súper-8,  comprada en Foto Blanco de La Coruña, el entonces príncipe Juan Carlos apuntaba más alto: prefería el 16 mm. Primero con una Canon Scoopic (en la fotografía inferior) y, más tarde, con una seductoramente curvilínea Beaulieu R16.

Ya convertido en Rey, cuando acudía a recoger a sus hijas al Colegio Rosales, visitaba de forma frecuente la sede central de Kodak España, en el número 15 de la calle Irún de Madrid. Allí le esperaba el presidente de Kodak, el catalán Francisco Boter Sans, a quien conocía desde la infancia. Con él conversaba no de política, sino de emulsiones y sensibilidades, buscando consejo sobre qué película usar para registrar en fílmico la vida de su familia.

En una de aquellas visitas, Boter le regaló un fotómetro Weston Master IV —el mismo modelo que todavía utilizo yo hoy en mis rodajes: VER AQUÍ—. Con ese fotómetro en la mano, el monarca planeaba una audacia técnica: filmar con película Ektachrome 160, pero exponiéndola nada menos que a 1000 ASA, con un revelado que Kodak se ofreció a "forzar" especialmente para él en su laboratorio. Un experimento de riesgo, pero revelador de la pasión con la que Juan Carlos se acercaba al cine, no como espectador distante, sino como alguien dispuesto a enfrentarse con las complejidades de la luz y la emulsión. Espero que estas filmaciones no se pierdan y estén a buen recaudo. Una disfrutaría viéndolas y digitalizándolas.

Juan Carlos y la Canon Scoopic de 16 mm

CURIOSITIES FROM THE KODAK FACTORY IN ENGLAND

The last Kodak factory in England closed its doors in 2016, ending more than a century of industrial history. But beyond cameras, emulsions, and reels of film, the Harrow site was filled with peculiarities that now seem like echoes from another age.

Opened in 1890, it was Kodak’s oldest plant outside the United States. At its peak in the 1950s, the factory employed around 6,000 workers and sprawled across 55 acres (22 hectares) — practically a city within a city.

With the rise of digital photography, however, Kodak’s fortunes began to falter, and Harrow’s commercial viability declined throughout the 2000s. Sections of the site were demolished, sold, or leased. In 2005, film production ceased entirely at Kodak’s UK plants, with 600 jobs lost at Harrow alone. Still, some 1,400 employees carried on working there. The company even considered moving its UK headquarters to Harrow, but in the end, the decision was made to remain in Hemel Hempstead, albeit at a new site.

One detail that always caught my attention in the Harrow factory was the segregation of the staff canteen. There wasn’t just one dining hall for everyone: there were three.

• The workers’ canteen was a classic industrial dining hall, with long queues, self-service lines, and the inevitable metal trays sliding across the counter as one chose between simple, practical menus.

• The superintendents’ dining room offered a halfway house — more comfortable, more formal, but still functional.

• And then there was the directors’ dining room: tables laid with white cloths and proper napkins, where waitresses served full meals at the table. Wine and beer could even be ordered, at subsidized prices.

Three rooms, three menus, three very different ways of eating — all under the same roof. A reminder that Kodak in England wasn’t just a factory, but a reflection of the social hierarchies of its time.

Post Scriptum: An american reader, formerly worker in Rochester, wrote me: 

England and the French factory at Chalon served alcohol at their cafeterias and when I visited Chalon in 1999, that was still the mode. Beer and wine were available for any and all, and when I asked about this, my French counterpart told me that no one took advantage of this because they would be reported and could lead to termination.

In Rochester, there were also three dinning areas within the east side of Kodak Park - much like what was in Harrow. This made sense, because the mid-dining room, where full-scale restaurant quality meals were served at very low prices, was required for taking potential new hires to lunch as well as having team celebrations for performance. The high-end dinning, which was located in the managers building, was set up only for management and their invitees, because during the lunch time, managers could openly discuss issues / topics, etc. without the fear of information leaking. George Eastman, himself, set this up as far back as 1904 but at that time his managers lunch area was in a different building apart from the cafeteria building.

I was fortunate enough to have one chance of dinning in the managers dinning area as part of the celebration of bringing the Kodachrome 200 film to market. The others I frequented occassionally (and of course) including my factory interviews / tour day when I was on-site interviewed for a position there way back in the mid-80's